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Sector Reforma en Zona Maco (2011)

Zona Maco, 2011 Both: NP13 Artistas: Guillermo Santamarina, Miho Hagino, Alejandro Ramírez Lovering, Santino Escatel, Javier Cárdenas Tavizon, Alejandro Fournier
Zona Maco, 2011 Both: NP13
Artistas: Guillermo Santamarina, Miho Hagino, Alejandro Ramírez Lovering, Santino Escatel, Javier Cárdenas Tavizon, Alejandro Fournier

Sector Reforma en Zona Maco 2011

 

 

Zona Maco, 2011 Both: NP13

Artistas: Guillermo Santamarina, Miho Hagino, Alejandro Ramírez Lovering, Santino Escatel, Javier Cárdenas Tavizon, Alejandro Fournier

 

 

Zona Maco, 2011 Both: NP13 Artistas: Guillermo Santamarina, Miho Hagino, Alejandro Ramírez Lovering, Santino Escatel, Javier Cárdenas Tavizon, Alejandro Fournier
Zona Maco, 2011 Both: NP13
Artistas: Guillermo Santamarina, Miho Hagino, Alejandro Ramírez Lovering, Santino Escatel, Javier Cárdenas Tavizon, Alejandro Fournier
Retrato a Gabriel Orozco y Guillermo Santamarina en Zona Maco, 2011 Both de Sector Reforma
Retrato a Gabriel Orozco y Guillermo Santamarina en Zona Maco, 2011 Both de Sector Reforma
Zona Maco, 2011 Both: NP13 Artistas: Guillermo Santamarina, Miho Hagino, Alejandro Ramírez Lovering, Santino Escatel, Javier Cárdenas Tavizon, Alejandro Fournier
Zona Maco, 2011 Both: NP13
Artistas: Guillermo Santamarina, Miho Hagino, Alejandro Ramírez Lovering, Santino Escatel, Javier Cárdenas Tavizon, Alejandro Fournier
Catálogo de Zona Maco, 2011
Catálogo de Zona Maco, 2011
Catálogo de Zona Maco, 2011
Catálogo de Zona Maco, 2011
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Hipermnesia, fin de la Modernidad (2010)

“Hipermnesia” , Intervención a Edificio Guadalupe Victoria, SantinoEscatel, 2010
“Hipermnesia” , Intervención a Edificio Guadalupe Victoria, SantinoEscatel, 2010

Hipermnesia, Fin de la Modernidad

 

Intervención al edificio Guadalupe Victoria

Artista: Santino Escatel, Colaboración en composición de pieza sonora e interpretación performática de Russell Reed (E.U.)

 

El proyecto consiste en la intervención al edificio Guadalupe Victoria diseñado por el arquitecto Guillermo Quintanar Soalegui en el año de 1962 ubicado en el complejo Parque Agua Azul.
El edificio pertenece al Instituto de Pensionados del Estado de Jalisco en un estado de abandono total desde hace 20 años, con un futuro incierto.
La intervención al edificio consiste en reinstalar el sistema eléctrico –inexistente por su abandono- y colocar un foco de tipo domestico en cada uno de las habitaciones colindantes a la cara oriente del inmueble, alimentados por plantas eléctricas a gasolina durante tres días.
Previo a la acción antes mencionada, el compositor norte americano Russell Reed interpretara en la Plaza Juárez la obra musical “Dirge for the building“, un solo al piano compuesto específicamente para la intervención; la construcción musical es una composición poética del genero lírico en la que se lamenta una perdida y no tiene una forma métrica fija.
La raíz etimológica del termino hipermnesia (hyperthymesia), se encuentra en “thymesis” (recordar) e “hiper” (sobre, por encima de). “mnesis” también es una extensión de la misma etimología, y significa recuerdo.
En este sentido el titulo alude al ejercicio de recordar, revalorizar y cuestionar los modelos del urbanismo del siglo paso y definir los paradigmas en los que se basa y se dirige el desarrollo actual de la ciudad. Sí la arquitectura sólo puede comprenderse recorriéndola, únicamente puede existir si tiene uso.
La diversidad inesperada, la cantidad de información circulante y el constante crecimiento de nuestras ciudades frustran las tentativas tradicionales de sistematización y planificación urbana. Las 
fluctuaciones en el precio de la propiedad afectan al uso y vida útil de los edificios. La mera densidad de ciudadanos y sus distintas necesidades dificultan el intento por ordenarlos y clasificarlos. Los centros de las ciudades se van vaciando a medida que los ciudadanos y las empresas los abandonan por lugares más baratos y con menos delincuencia. El ritmo con que se cambia y se muda de casa hace imposible la cohesión comunitaria y social.

El paso de la obra del museo a la calle, de un espacio institucional a uno de carácter público, transforma la obra de arte como al artista. El arte site-specific persigue poner de relieve la percepción conciente del lugar y ratificar lazos comunes entre el sitio y su contexto concreto.
Define un lugar no solo físicamente sino mediante referencias a su historia, a su significación política o a su importancia para ciertos grupos, estos conceptos involucran al público y son detonantes democratizadores de la sociedad contemporánea.
El arte forma parte de la vida y la vida esta expuesta a cambios y a nuevas orientaciones que deben ser visibles y efectivas en todo lugar.

Nota MILENIO 2011-03-05

Imagen del Edificio Guadalupe Victoria
Imagen del Edificio Guadalupe Victoria
“Hipermnesia” , Intervención a Edificio Guadalupe Victoria, SantinoEscatel, 2010 Colaboración en composición Original e interpretación por Russell Reed
“Hipermnesia” , Intervención a Edificio Guadalupe Victoria, SantinoEscatel, 2010
Colaboración en composición Original e interpretación por Russell Reed
Colaboración en composición Original e interpretación por Russell Reed
Colaboración en composición Original e interpretación por Russell Reed
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Parque Central (2010)

Sector-Reforma-Parque-Central

Parque Central

 

 

Curador: Santino Escatel

Plan Maestro/ Master Plan Arq. Claudio Sainz, Arq. Francisco Pérez Arellano, Arq. Gregorio Delgado

Esculturas e infraestructura plástica para el Parque Central

Cerro del Cuatro, Tlaquepaque

Miho Hagino, Santino Escatel, Taro Zorrilla, Javier Cárdenas Tavizon, René Hayashi y Alejandro Fournier

 

Infraestructura Reformatoria

Con el objetivo de promover, a través del arte, la relación de los ciudadanos con el entorno urbano, los arquitectos Claudio Sainz y Francisco Pérez Arellano invitan a colaborar al colectivo de artistas tapatíos Sector Reforma a proponer una serie de esculturas e infraestructura dentro del proyecto Parque Central ubicado en el Cerro del Cuatro. El proyecto en sí mismo tiene su programa y propuesta de diseño urbano y paisajístico, la intención de la inserción de elementos de arte urbano, de acuerdo a lo expresado por Claudio Sainz es el de crear una atmósfera lúdica, a la vez que expresiva, particularmente por el gran número de jóvenes que se espera acudan a este parque.

Sector Reforma conformado por los artistas Santino Escatel, Javier Cárdenas Tavizon y Alejandro Fournier y el despacho Mexico-Japonés: Paisaje Urbano asentado en el D.F. conformado por Miho Hagino, Taro Zorrilla y René Hayashi, buscan la cohesión entre el arte, la arquitectura y el urbanismo para hacer una serie repropuesta para dotar al Parque Central de infraestructura.

La propuesta se centra en la búsqueda de crear una identidad y vocación para el parque a partir de la instalación y/o construcción de las propuestas escultóricas y espaciales; de esta manera se crea un nuevo enclave de recreo en un punto de gran interés para la ciudad:

Parque Central es el proyecto con el espacio público más extenso de la Zona Metropolitana ubicado al sur de la urbe en el Cerro del Cuatro, pretende ser agente detonador del mejoramiento ambiental, social y urbano del área, así como recuperar el bosque antes existente en este área.

Entendiendo el contexto inmediato y con estrategias que circulan entre monumentalidad y jerarquía los artistas del equipo proponen siete proyectos que beneficiarán a su entorno inmediato proporcionando elementos emblemáticos necesarios para desarrollar actividades para todas las edades, con un mantenimiento fácil y económico por sus características constructivas, para una sociedad/cultura urbana contemporánea.

El planteamiento de las piezas es dinámico, flexible y permeable a las posibilidades de cada momento, basada en la creación de áreas de consumo cultural, con espacio multifuncional, multidisciplinar, aglutinador y distinto, propio para la interacción cultural, la formación y la búsqueda. 

De esta manera se estará impulsando la movilidad de grupos en torno al sitio convirtiéndolo en un elemento capaz de generar energía urbana para el resto de la ciudad.

El proyecto está planteado para convertirse en el nuevo emblema de la Zona Metropolitana de Guadalajara por la peculiaridad de su equipamiento, convirtiéndose en un proyecto de referencia internacional por sus características de cohesión entre todas sus partes.

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Hiperventilación (2010-2011)

Javier Cárdenas Tavizon, “Color Flood”, pintura acrílica sobre lienzo, 145 x 145 cms, 2010
Javier Cárdenas Tavizon, “Color Flood”, pintura acrílica sobre lienzo, 145 x 145 cms, 2010

Hiperventilación

 

Texto curatorial: Guillermo Santamarina

11 de noviembre de 2010

Exposición Multidisciplinaria

Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara

Sector Reforma:  Javier Cárdenas Tavizon, Santino Escatel, Alejandro Fournier

 

Hiperventilación.

Sistema de hiperventilación a un panorama en estado doliente por mediación de sinergismo.

Para la ocasión de un acercamiento propiciado por la insigne Universidad de Guadalajara en su puntual programa de difusión del arte contemporáneo, Sector Reforma, trío de tenacidades, que ya es más un organismo (acelerado por los experimentos individuales de sus inquietos componentes: Javier Cárdenas Tavizon, Santino Escatel y Alejandro Fournier) que meramente una entidad (por la que muchos hemos sido generosamente beneficiados) orientadora del trabajo de incontables artistas, estalla e incrusta sus excedentes imaginativos, en un operativo de hiperventilación, sustentado por meticulosas observaciones del contexto histórico actual, y por denuedo poético que atiza valores aferrados a nuestra cohesión coetánea: lo nuevo pero paradójicamente vulnerable e indefectiblemente adjunto al devenir de lo obsoleto; o la búsqueda del éxito en el realismo, y la inevitable y consecuente exacerbación de la fragilidad personal; o la reparación de la fe como elemento preceptor de conmutación.

1. Sobre la primera capa de configuración arriba mencionada, particularmente manifiesta en las obras que Santino ha traído a la exposición, Rubén Romero comenta: “El génesis de un producto novedoso pareciera depender únicamente de la capacidad heurística y creativa de un individuo, que le permitiera manipular la materia para concluir en cualquier manifestación de referente virginal. Y sin embargo, la ilusión del encuentro epifánico con lo enteramente nuevo es un tema hoy ya superado por la resignación al antecedente desde la intertextualidad.”

“La noción de lo nuevo depende de un intercambio dependiente y constante, de nomenclatura y posicionamiento cultural de las ideas y los objetos desde la perspectiva de una sociedad en un momento específico. El devenir de lo novedoso a una relación heterogénea entre lo profano y lo culturalmente legítimo e incluso importante, sugiere que esta relación de significaciones opuestas generan la misma inercia que provoca el movimiento ideológico de una cultura.”

“El accidente, la tragedia, la interrupción funcional, como el espacio profano, es lo otro, al que se responsabiliza el intercambio histórico, aquello que la cultura no tiene ni puede controlar y por eso resulta dominada por ello. Así, lo nuevo es lo que muestra, hace accesible y permite comprender a lo otro. También se entiende como el resultado de determinadas estrategias cultural económicas de transmutación de valores que tienen como condición el conocimiento de mecanismos culturales efectivos. Se distingue de lo simplemente diferente con el hecho de situarse en relación a lo valioso y lo obsoleto.”

La imagen de una eminente catástrofe que volatizaría un nuevo símbolo de poder político y económico (un edificio de Rem Koolhaas, sede de la televisión china encendido por el contacto accidental de fuegos pirotécnicos que celebraban la llegada de un nuevo año) será no un anuncio del fin de la historia, o la alegoría de prematuras muertes del hombre, sino un monumento sublime a la eterna exigencia de producción de lo nuevo, “la exigencia a la que todo el mundo debe someterse” afirma categóricamente Boris Groys “la única realidad expresada en la cultura.”

Las obras de Santino aseguran la lógica que Groys reinscribe: “el hombre de cultura, que en el fondo vive siempre con el miedo a que la cultura decaiga definitivamente y con ella desaparezca y del todo, la memoria histórica acerca de él después de su muerte biológica, se identifica gustosamente de modo simbólico con aquellas fuerzas profanas que quieren destruir la cultura, para poder sobrevivir simbólicamente, junto a ellas, a la caída que sobrevendrá a los valores culturales. Ya los pueblos primitivos se identificaron con las fuerzas de la naturaleza que les amenazaban para, mediante ese truco mágico, convertirse en aliados de la naturaleza en el momento decisivo.” 

2. Sobre la segunda capa que fusiona la presente hiperventilación y que Alejandro Fournier ha decidido esgrimir en carne propia, puede asociarse un antecedente emblemático en la historia del rock: la aparición de la primera obra del legendario grupo británico King Crimson: In the court of the crimson king (Island Records – Londres, 1969), emblemática de nacimiento melancólico y de conciencia última ante la ineludible deriva en un panorama de alienación. Obra, por cierto, muy apreciada desde temprana edad por el mencionado escultor, pintor, fotógrafo, y ahora corrosivo cantautor que presenta en la exposición su primera (no sabemos si única) exploración musical en la psicosis del siglo veintiuno.

Fournier –Joe from Wisconsin, para la situación- asimila un carácter (como Bowie o Barrett, en estados frenéticos) para una nueva etapa de su proceso, y como el personaje que aparece en la portada del Rey Carmesí (que por cierto, en algún momento de su adolescencia Alejandro interpretó en los muros de su casa), no postergará sus desasosiegos. 

Aquí el comentario de Hippocampus recogido del portal Rate your music que refiere al conmovedor sentimiento que fluye por el famoso disco con que surgió el género de rock progresivo ya hace más de cuatro décadas:

“So here’s this wonderful album that everyone seems to enjoy, but does everyone know what it means?

I talk to the wind

The wind does not hear

The wind cannot hear

The album takes a very negative and depressing look at society, an observation that evades most people, and points out the near impossibility of making it known to those who haven’t seen it for 

themselves. In that, it is a very sad album, envisioning a tragic and inevitable end to our civilization. Maybe you look around you and see disillusion and much confusion, but what can you do about it when no one listens? What kind of tomorrow can we expect when our leaders are just as hopeless as everyone else?

This is a monumental piece of music, a work of art that speaks on a very deep level and, certainly, one of the saddest albums ever known.”

3. Con la siguiente escena de carcoma que he tomado prestada a Leopoldo Lugones, intento trazar, sino un baso comunicante, por lo menos un trasiego paralelo a los dispositivos que Javier Cárdenas ha configurado, y que propongo como tercer componente de la muestra de los reformas: 

“Los esqueletos de las ciudades destruidas iban poco a poco desvaneciéndose. Algunas piedras quemadas, era todo lo que restaba ya: trozos de arcos, hileras de adobes carcomidos por la sal y cimentados en betún… El monje reparó apenas en semejantes restos, que procuró evitar a fin de que sus pies no se manchasen a su contacto. De repente, todo su viejo cuerpo tembló. Acababa de advertir hacia el sur, fuera ya de los escombros, en un recodo de las montañas desde el cual apenas se los percibía, la silueta de la estatua.”

“Bajo su manto petrificado que el tiempo había roído, era larga y fina como un fantasma. El sol brillaba con límpida incandescencia, calcinando las rocas, haciendo espejear la capa salobre que cubría las hojas de los terebintos. Aquellos arbustos, bajo la reverberación meridiana, parecían de plata. En el cielo no había una sola nube. Las aguas amargas dormían en su característica inmovilidad. Cuando el viento soplaba, podía escucharse en ellas, decían los peregrinos, cómo se lamentaban los espectros de las ciudades.”

“Sosistrato se aproximó a la estatua. El viajero había dicho verdad. Una humedad tibia cubría su rostro. Aquellos ojos blancos, aquellos labios blancos, estaban completamente inmóviles bajo la invasión de la piedra, en el sueño de sus siglos. Ni un indicio de vida salía de aquella roca. ¡El sol la quemaba con tenacidad implacable, siempre igual desde hacía miles de años, y sin embargo, esa efigie estaba viva puesto que sudaba! Semejante sueño resumía el misterio de los espantos bíblicos. La cólera de Jehová había pasado sobre aquel ser, espantosa amalgama de carne y de peñasco. ¿No era temeridad el intento de turbar ese sueño? ¿No caería el pecado de la mujer maldita sobre el insensato que procuraba redimirla? Despertar el misterio es una locura criminal, tal vez una tentación del infierno. Sosistrato, lleno de congoja, se arrodilló a orar en la sombra de un bosquecillo…”.

Las obras de Javier, experimentando en la energía magnética y atravesando por ámbitos de fantasmagoria, son signos de aquello que sobrepasa la gravedad. Cuestionamientos al “ver atrás” donde sólo quedará una ciudad en cenizas, el suceso contrario que determinó a la estatua de sal y que un misterio cuajó así, cuando por poca fe su sustancia deseó permanecer en lo atávico, en antagonismo con la conmutación, y no enfrentar el riesgo de lo nuevo. Estos dispositivos de Javier pueden ser, acorde a otras ideas de Boris Groys, “conjunciones en el ámbito de lo peligroso que nunca se agota definitivamente… materia de lo nuevo que es un nuevo objeto de miedo, un nuevo peligro, una nueva cosa valorizada y peligrosa… que reitera que la producción de lo nuevo es la exigencia a la que todo el mundo debe someterse para encontrar en la cultura el reconocimiento al que aspira: y que en caso contrario, no tiene ningún sentido ocuparse de los asuntos de la cultura… lo nuevo es insoslayable, inevitable, irrenunciable.”

Finalmente, como he dicho antes, este sistema de hiperventilación que nos propicia Sector Reforma, no es un encuentro accidental de tentativas de un grupo de individuos que coinciden regularmente en espacios, tiempos e intereses artísticos afines, además de camaradería. La presente experiencia se concentra sinérgicamente, y me parece, puede confirmarse como unidad sistémica.

La sinergia es un concepto que proviene del griego ‘synergo’, lo que quiere decir literalmente ‘trabajando en conjunto’. Su significado actual se refiere al fenómeno en que el efecto de la influencia o trabajo de dos o más agentes actuando en conjunto es mayor al esperado considerando a la sumatoria de la acción de los agentes por separado.

Una organización es considerada sinérgica cuando los órganos que lo componen no pueden realizar una función determinada sin depender del resto de los miembros que componen dicha organización. De aquí viene la afirmación aristotélica relacionada con este concepto: “el todo no es igual a la suma de las partes”, u otros lo argumentarían utilizando el siguiente razonamiento matemático: 2 + 2 = 5, lo cual es un absurdo en términos absolutos, pero tiene sentido desde el punto de vista sistémico. Por ende, el total corresponde a la conservación del sistema teniendo en cuenta la acción en conjunto que realizan sus componentes.

Un sistema consiste básicamente en un conjunto de componentes que se relacionan, intentando alcanzar uno o más objetivos. He aquí la relación existente entre la teoría general de los sistemas y el concepto de sinergia. Sin embargo, sólo se da la sinergia cuando el o los objetivos logrados por la organización o sistema son alcanzados con creces, considerándolos como un resultado obtenido en conjunto mayor o mejor que el posible de alcanzar producto de sus órganos o partes individualmente.

Hasta ahí entonces. Deseo que sus sentidos no estén sitiados y que en efecto, como terapia homeopática, les toque esta experiencia a profundidad.

Sector Reforma es una fórmula eficiente de proyección de talento sustentado en lo mencionado, y por otros factores que aquí ya no cupo citar. Me queda claro que son, o es la entidad, ejemplo de imaginación, de coherencia constructivo-conceptual, de solvencia ética, y de liderazgo poético en esta cada vez más difícil y lóbrega superficie del arte de nuestro país. 

Guillermo Santamarina.

(En el asfixiante otoño de 2010)

 

 

Santino Escatel, “Before Dawn”, video instalación sensorial, 10 minutos
Santino Escatel, “Before Dawn”, video instalación sensorial, 10 minutos
Javier Cárdenas Tavizon, “Emission“, Intervención sobre el espacio, pintura acrílica y polvo de color, 435 x 670 x 435cms., 2010
Javier Cárdenas Tavizon, “Emission“, Intervención sobre el espacio, pintura acrílica y polvo de color, 435 x 670 x 435cms., 2010
Javier Cárdenas Tavizon, “El poder está en tus manos”, escultura, acrílico y material magnético, 26 x 26 x 66 cms., 2010
Javier Cárdenas Tavizon, “El poder está en tus manos”, escultura, acrílico y material magnético, 26 x 26 x 66 cms., 2010
Javier Cárdenas Tavizon “Mindstream”, escultura, acrílico y material magnético, 100 x 100 cms., 2010
Javier Cárdenas Tavizon “Mindstream”, escultura, acrílico y material magnético, 100 x 100 cms., 2010
Vista de una de las salas, exhibición “Hiperventilación”, Museo de las Artes (MUSA)
Vista de una de las salas, exhibición “Hiperventilación”, Museo de las Artes (MUSA)
Alejandro Fournier, “Cabina-Another Anarchy”, serie Joe from Wisconsin, video instalación: tablaroca, vidrio, material de alta densidad, cintas de colores, stencil, audífonos y proyección de video, Loop de 3:02 minutos, 2010
Alejandro Fournier, “Cabina-Another Anarchy”, serie Joe from Wisconsin, video instalación: tablaroca, vidrio, material de alta densidad, cintas de colores, stencil, audífonos y proyección de video, Loop de 3:02 minutos, 2010
Alejandro Fournier, “Lp-cd JFW”, serie Joe from Wisconsin, 13 tracks, 44.5 minutos, 1000 piezas, incluye un booklet-fanzine de 28 páginas, 2010
Alejandro Fournier, “Lp-cd JFW”, serie Joe from Wisconsin, 13 tracks, 44.5 minutos, 1000 piezas, incluye un booklet-fanzine de 28 páginas, 2010
Santino Escatel, “Implosión”, proyecto para escultura urbana, pintura, óleo sobre tela
Santino Escatel, “Implosión”, proyecto para escultura urbana, pintura, óleo sobre tela
Santino Escatel, “Gran empresa la ciudad”, gráfica sobre muro, azulejos y grafito, 198 x 165 cms., 2010
Santino Escatel, “Gran empresa la ciudad”, gráfica sobre muro, azulejos y grafito, 198 x 165 cms., 2010
Santino Escatel, “Desmesurable”, escultura, placa de acero y muro, 2.90 metros de diámetro x 3“ x 11/2“, 2010
Santino Escatel, “Desmesurable”, escultura, placa de acero y muro, 2.90 metros de diámetro x 3“ x 11/2“, 2010
JFW, Escultura de Acrilico, Alejandro Fournier, 2010
JFW, Escultura de Acrilico, Alejandro Fournier, 2010
Alejandro Fournier, “Cabina-Another Anarchy”, serie Joe from Wisconsin, video instalación: tablaroca, vidrio, material de alta densidad, cintas de colores, stencil, audífonos y proyección de video, Loop de 3:02 minutos, 2010
Alejandro Fournier, “Cabina-Another Anarchy”, serie Joe from Wisconsin, video instalación: tablaroca, vidrio, material de alta densidad, cintas de colores, stencil, audífonos y proyección de video, Loop de 3:02 minutos, 2010
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Casino 100 (2010)

Sector Reforma, “Dos Pistolas”, Proceso de construcción, escultura textil, cortes de vestidos, trajes y distintas telas unidas, estructura de madera, 240 alto x 430 x 430 cms., 2010
Sector Reforma, “Dos Pistolas”, Proceso de construcción, escultura textil, cortes de vestidos, trajes y distintas telas unidas, estructura de madera, 240 alto x 430 x 430 cms., 2010

Casino 100

 

Textor Curatoríal: Adriana Gallegos Carrión

02 de septiembre de 2010

Exposición Multidisciplinaria

Museo Arocena, Torreón, Coahuila

Sector Reforma: Santino Escatel, Javier Cárdenas Tavizon y Alejandro Fournier

El Museo Arocena se enorgullece en presentar el proyecto Casino 100, una celebración cultural que integra de manera exitosa la participación comunitaria con el lenguaje del arte contemporáneo.

La exposición Casino 100 tiene lugar en el marco de los festejos del centenario de la Revolución y del bicentenario de la Independencia. Además, en este 2010, celebramos el centésimo aniversario del Casino de La Laguna que fuera inaugurado el 15 de septiembre de 1910. Son cien años de formar parte de nuestras vidas, de nuestro patrimonio cultural y por ende, de nuestra identidad como laguneros.

Por este motivo, en septiembre del 2009 el Museo Arocena hizo a la comunidad la siguiente pregunta: Y tú, ¿cómo has vivido el Casino de La Laguna en estos 100 años?

Fue entonces que lanzamos una convocatoria pública y abierta de fotografía, destinada a recopilar imágenes recientes o antiguas relacionadas con la historia del edificio. La respuesta de la comunidad fue extraordinaria: al cierre de la convocatoria ya contábamos con 250 imágenes fotográficas.

Paralelamente, el Museo Arocena inició una colaboración con el colectivo Sector Reforma Arte Contemporáneo. La misión asignada era poner en valor la memoria colectiva relacionada con el edificio, así como motivar la reflexión sobre el sentido que esta memoria tiene para nosotros hoy en día.

Este diálogo entre el material fotográfico y los nuevos lenguajes del arte contemporáneo busca distanciar a Casino 100 de cualquier criterio generalizador o cronológico de la historia. En ese mismo orden de ideas, la utilización de las imágenes obtenidas durante la convocatoria asegura la pluralidad del proyecto, así como la integración de la comunidad al mismo.

Sector Reforma Arte Contemporáneo realizó la intervención artística del antiguo Casino haciendo uso de dichas fotografías, experimentando a cada paso con los significados que éstas sugerían. Sus acciones se encuentran en el interior, exterior, alrededores y fachada del edificio. Están listas para ser descubiertas y gozadas por el público que nos visita.

Los invitamos una vez más a formar parte de la historia de esta ciudad centenaria. Hoy, el Casino de la Laguna se encuentra nuevamente engalanado y de fiesta. Como hace 100 años, sean bienvenidos a la celebración.

Adriana Gallegos Carrión

 

Sector Reforma, “Dos Pistolas”, escultura textil, cortes de vestidos, trajes y distintas telas unidas, estructura de madera, 240 alto x 430 x 430 cms., 2010
Sector Reforma, “Dos Pistolas”, escultura textil, cortes de vestidos, trajes y distintas telas unidas, estructura de madera, 240 alto x 430 x 430 cms., 2010
Sector Reforma, “Dos Pistolas”, escultura textil, cortes de vestidos, trajes y distintas telas unidas, estructura de madera, 240 alto x 430 x 430 cms., 2010
Sector Reforma, “Dos Pistolas”, escultura textil, cortes de vestidos, trajes y distintas telas unidas, estructura de madera, 240 alto x 430 x 430 cms., 2010
Sector Reforma, “Reunión en el Casino de la Laguna, 1940”, intervención sobre escalera de ingreso al museo, vinil sobre mármol, medidas variables, 2010
Sector Reforma, “Reunión en el Casino de la Laguna, 1940”, intervención sobre escalera de ingreso al museo, vinil sobre mármol, medidas variables, 2010
Alejandro Fournier y Sector Reforma, “El Juego/ The Game”, escultura inflable, 4 x 4 metros, 2010
Alejandro Fournier y Sector Reforma, “El Juego/ The Game”, escultura inflable, 4 x 4 metros, 2010
Sector Reforma, “Elefante”, Impresión gran formato, 2010
Sector Reforma, “Elefante”, Impresión gran formato, 2010
Sector Reforma,”Intervención sobre fachada”, vinil sobre vidrio, 1880 x 700 cms., 2010
Sector Reforma,”Intervención sobre fachada”, vinil sobre vidrio, 1880 x 700 cms., 2010
Sector Reforma,”Intervención sobre fachada”, vinil sobre vidrio, 1880 x 700 cms., 2010
Sector Reforma,”Intervención sobre fachada”, vinil sobre vidrio, 1880 x 700 cms., 2010
Sector Reforma,”Intervención sobre fachada”, vinil sobre vidrio, 1880 x 700 cms., 2010
Sector Reforma,”Intervención sobre fachada”, vinil sobre vidrio, 1880 x 700 cms., 2010
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El gran vidrio de cómo tirar la piedra y esconder la mano (2010)

Magdalena Firlag, “El gran vidrio / de cómo tirar la piedra y esconder la mano”, mural, Botellas recicladas, cemento, tablaroca y estructura metálica, dividida en dos partes: 212 x 220 cms. y 212 x 300 cms., 2010
Magdalena Firlag, “El gran vidrio / de cómo tirar la piedra y esconder la mano”, mural, Botellas recicladas, cemento, tablaroca y estructura metálica, dividida en dos partes: 212 x 220 cms. y 212 x 300 cms., 2010

 

El gran vidrio: O de cómo tirar la piedra y esconder la mano

 

 

Curador: Alejandro Pérez Tamayo

02 de julio de 2010

Exposición Multidisciplinaria

Sector Reforma Arte Contemporáneo

Magdalena Firlag

El presente proyecto se inscribe dentro de un marco multi-interpretativo en el que la lectura más profunda (ligada al título de la pieza) hace referencia a El gran vidrio o La novia puesta al desnudo por sus solteros, aún(1915-1923) de Marcel Duchamp (Francia 1887-1968). Si la obra de Duchamp se trata de una parodia al amor mecánico del mundo moderno, en la pieza de la artista polaca Magdalena Firląg (Polonia, 1984) se aborda, a través de una mirada sarcástica y por analogía a esta obra, la situación actual de las relaciones entre el deseo y la satisfacción en el contexto de un mundo hipermoderno, siendo éste sublimado en la reproducción monumental de un billete de cien dólares americanos, símbolo y contenedor conceptual de las conexiones y fines últimos de un sistema mundial rebasado por su mismo mecanismo de acción, llamado capitalismo.

Mediante una postura crítica pero llena de humor negro, Firląg utiliza vidrio proveniente de material reciclable (botellas de vidrio vacías) para hacer referencia no sólo al funcionamiento natural del capital, el que se encuentra en constante reutilización, siendo que la circulación del mismo es lo que le da sentido a su existencia como valor simbólico de los bienes materiales de las sociedades actuales. Yendo más lejos la artista describe además un sub-sistema inherente a este aparato: el de la corrupción. Análogamente al proceso de reciclaje; recolección, separación, limpieza (léase lavado) y reutilización administrada, se manifiesta de forma metafórica el proceso de corrupción ligado al capital, en el que por medio de similares pasos, los bienes proporcionados por este último se atomizan en estratos sociales bien delimitados y por completo elitistas dedicados a generar, a su vez, sistemas de poder por medio de su hegemonía sobre la adquisición y acumulación de satisfactores no sólo de valor simbólico sino primordialmente material. Esta lectura simboliza la crudeza de la desigualdad y también la violencia generada por la marginación social que nace como producto de la monopolización de los bienes capitales, en teoría comunes.

Alejandro Pérez Tamayo

 

Magdalena Firlag, “El gran vidrio / de cómo tirar la piedra y esconder la mano”, mural, Botellas recicladas, cemento, tablaroca y estructura metálica, dividida en dos partes: 212 x 220 cms. y 212 x 300 cms., 2010
Magdalena Firlag, “El gran vidrio / de cómo tirar la piedra y esconder la mano”, mural, Botellas recicladas, cemento, tablaroca y estructura metálica, dividida en dos partes: 212 x 220 cms. y 212 x 300 cms., 2010
Retrato a Alejandro Pérez Tamayo, curador de la exhibición por Saúl Sevilla
Retrato a Alejandro Pérez Tamayo, curador de la exhibición por Saúl Sevilla
Imagen de registro de exhibición en el espacio de Sector Reforma, Vidrio Reciclado que se utilizó para la pieza
Imagen de registro de exhibición en el espacio de Sector Reforma, Vidrio Reciclado que se utilizó para la pieza
Magdalena Firlag, “El gran vidrio / de cómo tirar la piedra y esconder la mano”, mural, Botellas recicladas, cemento, tablaroca y estructura metálica, dividida en dos partes: 212 x 220 cms. y 212 x 300 cms., 2010
Magdalena Firlag, “El gran vidrio / de cómo tirar la piedra y esconder la mano”, mural, Botellas recicladas, cemento, tablaroca y estructura metálica, dividida en dos partes: 212 x 220 cms. y 212 x 300 cms., 2010
Retrato a Magdalena Firlag por Saúl Sevilla
Retrato a Magdalena Firlag por Saúl Sevilla
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XVI Juegos Panamericanos Guadalajara 2011 (2010)

Sector-Reforma-Juegos-Paname-2

XVI Juegos Panamericanos Guadalajara 2011

Mayo de 2010

Arte In Situ

Exposición multidisciplinaria

Parque Agua Azul y Hotel Carlton

Guadalajara, México / Guadalajara, México

Sector Reforma: Javier Cárdenas Tavizon, Alejandro Fournier, Santino Escatel

Colectivo Sector Reforma, “Cancha de Badminton”, instalación, vinil sobre mármol,

lobby del Hotel Carlton, 4.00 x 9.00 metros, 2010

Colectivo Sector Reforma, “Paintball”, acción, impresión sobre blue back, tablaroca, pelotas rellenas de pintura y pistolas de aire comprimido, 4.00 x 2.40 metros, 2010

Guadalajara es la sede para los XVI Juegos Panamericanos a celebrarse en el año 2011; durante el año previo se realizaron una serie de competencias mundiales preselectivas; una de ellas fue el mundial juvenil de Badminton, al que el colectivo Sector Reforma fue invitado para realizar el arte realacionado con esta disciplina.

Las tres propuestas se exhibieron en dos sedes: el hotel Hilton y el Parque Agua Azul, ubicados en la zona central de la ciudad de Guadalajara. La pieza Cancha de Badminton consistió en la descontextualización del espacio de juego a partir de la utilización del vinil adherible; basándose en las medidas oficiales de la cancha de badminton, la obra subía y bajaba por los muros y escaleras del lobby del Hotel Misión Carlton, una visión renovada sobre el área de acción de la disciplina para ser contemplada por los participantes de la competencia mundial.

Paintball es el título de una pieza art+sport montada en el ingreso del Parque Agua Azul; la imagen se construye a partir del juego de palabras de El Gallo y su relación con el juego, identidad y lenguaje. La selección cromática surge a partir de la influencia de los principales representantes en la arquitectura mexicana: Luis Barragán y Chucho Reyes. El juego consiste en que el participante encuentre su país y su ciudad de origen para dar una marca usando pelotas rellena de pintura disparada por una pistola de aire.

Por último, los tres integrantes de Sector Reforma realizaron una serie de fotografías con temática referente a la disciplina, exhibiéndose en el ingreso del Hotel Hilton; Overhead Plane de Santino Escatel, Gallo, gallina de Alejandro Fournier y cock fight de Javier Cárdenas Tavizon.

 

 

Sector-Reforma-Juegos-Paname-1

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Ta_patio, Paseo Chapultepec (2009)

tapatio-armado

Ta_patio

 

Inauguración: 22 de agosto de 2009
Obra Permanente  en el espacio público
Permanente en Paseo Chapultepec, Av. Chapultepec y Libertad, Guadalajara, México
Alejandro Fournier

Espacio público con perspectiva

¿Una calle simboliza unión? ¿Unión entre lo público y lo privado, entre diferentes componentes de la ciudad? ¿O es una frontera, una separación? La pieza que nos ofrece Alejandro Fournier nos hace ver que la diferencia está en la perspectiva con que se mire.
Es común escuchar la queja entre los tapatíos de que el espacio público está desapareciendo. De que cada vez hay menos parques, menos plazas. Sin embargo, la intervención hecha sobre el recién remodelado paseo Chapultepec nos da un ejemplo de que el espacio público no ha desaparecido, simplemente se ha transformado.

La pieza Ta_patio, originalmente simboliza la separación de los tapatíos por una calle, haciendo referencia a la Calzada Independencia, la calle que cubrió el antiguo río insignia de la división de la ciudad. Sin embargo, la intervención provoca exactamente lo contrario: unir, vincular. Para conseguir que los ríos se vuelvan calles, las fronteras uniones, se necesita perspectiva, al igual que la pieza no puede entenderse sin ésta. Desde cerca, no parecerá más que un acomodo diferente de los tradicionales mosaicos de colores, es sólo cuando se la mira con perspectiva que adquiere significado.

La pieza está diseñada para ser pisada, para caminar, para estar sobre ella. Con la combinación de mosaicos de bajo costo, se forma el símbolo del dinero, referencia a la privatización del paisaje urbano, a su comercialización, a la supremacía del poder de unos pocos contra la mayoría. Sin embargo, al mismo tiempo nos permite que este símbolo sea pisado, se convierta en público, se logre estar por encima de él, conforme el patio de la ciudad.

El material utilizado, mosaico Guadalajara, logra una unión tiempo-espacio, historia y ciudad. Es una demostración de que aún estamos a tiempo de tener espacios caminables, una ciudad sabia, que cuida a sus habitantes en vez de agredirlos, que une a sus elementos en vez de separarlos. Como refuerzo a esto, la figura del “bebeleche” que se forma al centro de la intervención nos hace recordar a los antiguos juegos de pisar, de los juegos de las calles, de los patios, del espacio público.

La pieza también marca el regreso de una tipología casi olvidada para la ciudad: arte permanente en espacio público. Nos hemos acostumbrado a prescindir de éste y conformarnos con representaciones de la mitología patriótica o esporádicos adornos en los atrios de edificios corporativos. Este regreso nos hace pensar en una nueva etapa del arte público en la ciudad.

El paseo Chapultepec es al mismo tiempo una plaza, un parque, un camellón y sobre todo una calle. La calle como un símbolo, una demostración. Un símbolo de que toda aquella superficie horizontal entre edificios en una ciudad tiene el potencial de convertirse en un espacio de convivencia, de unión, de expresión. El espacio público que tanto añoramos está ahí, justo enfrente de nuestras miradas, justo al alcance de nuestra mano. Son las calles. Que pueden ser pisadas, que pueden ser usadas como espacio de encuentro, que pueden recobrar su significado. Esta intervención nos recuerda que lo que necesitamos para verlo es perspectiva, es una manera diferente de mirar lo que tenemos.

Arq. Jorge López de Obeso

Alejandro Fournier, Boceto “Ta_patio”, Dibujo sobre papel, 2009
Alejandro Fournier, Boceto “Ta_patio”, Dibujo sobre papel, 2009
Alejandro Fournier, Acción sobre la obra permanente “Ta_patio”: “GEN”, Fotografía, 2009
Alejandro Fournier, Acción sobre la obra permanente “Ta_patio”: “GEN”, Fotografía, 2009
Alejandro Fournier, Acción sobre la obra permanente “Ta_patio”: “Escolta de Policia dando vueltas al Signo”, Fotografía, 2009, Acción realizada en la Inauguración de la en espacio público.
Alejandro Fournier, Acción sobre la obra permanente “Ta_patio”: “Escolta de Policia dando vueltas al Signo”, Fotografía, 2009, Acción realizada en la Inauguración de la en espacio público.
Ta_patio en los días de los juegos Panamericanos, “Guadalajara” sobre Ta_patio, Paseo Chapultepec
Ta_patio en los días de los juegos Panamericanos, “Guadalajara” sobre Ta_patio, Paseo Chapultepec
Alejandro Fournier, “Ta-patio”, registro de la obra en el espacio público, desplazamiento de la instalación realizada en el patio del museo de la ciudad de Guadalajara al espacio público, 2304 mosaicos, 96.4 metros cuadrados, 4 bancas de cemento forradas con mosaico y tablero para jugar ajedrez, paseo Chapultepec, Guadalajara, México, 2009-2010
Alejandro Fournier, “Ta-patio”, registro de la obra en el espacio público, desplazamiento de la instalación realizada en el patio del museo de la ciudad de Guadalajara al espacio público, 2304 mosaicos, 96.4 metros cuadrados, 4 bancas de cemento forradas con mosaico y tablero para jugar ajedrez, paseo Chapultepec, Guadalajara, México, 2009-2010
Alejandro Fournier, “Ta-patio”, registro de la obra en el espacio público, desplazamiento de la instalación realizada en el patio del museo de la ciudad de Guadalajara al espacio público, 2304 mosaicos, 96.4 metros cuadrados, 4 bancas de cemento forradas con mosaico y tablero para jugar ajedrez, paseo Chapultepec, Guadalajara, México, 2009-2010, Ficha Tecnica
Alejandro Fournier, “Ta-patio”, registro de la obra en el espacio público, desplazamiento de la instalación realizada en el patio del museo de la ciudad de Guadalajara al espacio público, 2304 mosaicos, 96.4 metros cuadrados, 4 bancas de cemento forradas con mosaico y tablero para jugar ajedrez, paseo Chapultepec, Guadalajara, México, 2009-2010, Ficha Tecnica
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Postales para una ciudad contemporánea- Fachada S.R (2009)

Santino Escatel, intervención a la fachada de la Galería Sector Reforma, fotografía c-print, 122 x 82 cms., 2009
Santino Escatel, intervención a la fachada de la Galería Sector Reforma, fotografía c-print, 122 x 82 cms., 2009

Postales para una ciudad contemporánea

 

Agosto de 2009
Intervención a la fachada de la Galería Sector Reforma Arte Contemporáneo ubicada en el Barrio de Analco
Galería Sector Reforma Arte Contemporáneo
Santino Escatel

Uno de los paradigmas del arte contemporáneo en el campo mundial es la proliferación de la arquitectura como espectáculo estelar en la representación del acto escénico. Los museos en gran medida se han convertido en la escenografía y sus salas en escenarios donde las obras ya no se muestran sino que se representan. Se vuelve entonces un ejercicio espacial que pretende mayor relevancia para atraer al mayor número de visitantes. El mantenimiento de algunos de estos espacios de carácter emblemático no es económico y su manutención se centra en su imagen y abandona al espacio en sí. Es común que en muchas ocasiones la arquitectura se convierta en imágenes mercadeables o franquicias que sean rentables. El discurso de los últimos años con una serie de ejemplos por todo el mundo es aspirar a responder al síntoma antes descrito. Estos se presentan como parte de un síntoma global, surge a la par con la búsqueda de arquitectos estrella “starchitects” que mucho antes de generar un trazo sobre el papel, procuran que el edificio se entienda como un icono.

Sector Reforma pretende tomar las referencias anteriores y emular el fenómeno manteniendo una escala apropiada e íntima. Se toma como base de exploración colectiva el espacio, la superficie y su entorno. El proyecto consiste en la transformación de la fachada de la galería Sector Reforma entendiendo el contexto inmediato con estrategias que puedan circular entre monumentalidad y jerarquía, de manera que reclame la importancia urbana y beneficie a su entorno inmediato.

Después de la Revolución Francesa, se suponía que el arte verdadero tenía un gran valor educativo y de expresión colectiva. Eso era algo positivo, un bien que debía otorgarse a todos los ciudadanos. Por esta razón proliferaron los museos por todas la ciudades, incluso se vuelven detonantes económicos para la comunidad. Se convierten en regeneradores de actividades y reactivadores de zonas donde ya no existían detonadores urbanos. Las catedrales eran puntos de peregrinaje para la Edad Media, lo que son los museos para la época contemporánea.

Sector Reforma es una galería de autogestión, su emplazamiento pretende ser el medio para entablar una comunicación entre los diferentes entornos de la ciudad practicando una política espacial para negociar y diluir las fronteras entre las partes.
Este proyecto fue apoyado por el Fondo estatal para la Cultura y las Artes, 2008.

Justino Escapelo

Santino Escatel, “Cofre 49”, óleo sobre canvas, 15 x 22 cms., 2009
Santino Escatel, “Cofre 49”, óleo sobre canvas, 15 x 22 cms., 2009
Santino Escatel, “White Cubre”, escultura móvil, pistón neumático y muro, 170 x 280 cms., 2009
Santino Escatel, “White Cubre”, escultura móvil, pistón neumático y muro, 170 x 280 cms., 2009
Santino Escatel, “White Cubre”, detalle, 2009
Santino Escatel, “White Cubre”, detalle, 2009

Sector-Reforma-Sector-Envolvente-2

Santino Escatel, “Citroen/ Alison and Peter Smithson”, ink on paper, 21 x 28 cms, 2009 Santino Escatel, “Lincoln Zephyr/Gropius”, ink on paperl, 21 x 2 8 cms, 2009 Sanitno Escatel,” Ford T / Le Corbusier”, ink on paper,14 x 28 cms, 2009
Santino Escatel, “Citroen/ Alison and Peter Smithson”, ink on paper, 21 x 28 cms, 2009
Santino Escatel, “Lincoln Zephyr/Gropius”, ink on paperl, 21 x 2 8 cms, 2009
Sanitno Escatel,” Ford T / Le Corbusier”, ink on paper,14 x 28 cms, 2009
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Entidad Colectiva (2009)

Héctor Falcón, anuncio en el periódico El Informador, 05 de marzo de 2009
Héctor Falcón, anuncio en el periódico El Informador, 05 de marzo de 2009

Entidad Colectiva

 

 

Curador: Sector Reforma Arte Contemporáneo y CAM Contemporáneo

13 de marzo de 2009

Acción Performática

Galeria Sector Reforma Arte Contemporáneo y Galería CAM Contemporáneo

Héctor Falcón

CAM Contemporáneo y Sector Reforma presentan un modelo de comunicación entre sus dos sedes para resaltar el fin de la idea de centro y periferia como determinantes para las prácticas artísticas actuales y denotar un nuevo modelo de relaciones sociales intersubjetivas diferentes a aquellas vigentes en la modernidad gracias a la estructura inmaterial y flexible de los sistemas multimediáticos. Asimismo, apunta hacia la evidente alteración de la percepción de las categorías de tiempo y espacio que permiten la comunicación audiovisual en tiempo real multiplicando el aquí y el ahora en una simultaneidad intercomunicativa. 

La obra de Héctor Falcón desde 1996 se caracterizó por usar el cuerpo como soporte, y a partir de 2002 se caracteriza por la realización de acciones que comprenden el hecho de unir personas en distintos intersticios sociales, éstos entendidos como revelaciones de posibilidades de vida, como la construcción de espacios y experiencias concretas. Su trabajo presenta la cualidad de insertarse en la trama social en lugar de representarla. El arte entendido como estado de encuentro que produce cierta sociabilidad. En términos de laEstética 

Relacional de Nicolás Bourriaud, la obra de Falcón se puede entender como una forma de sociabilidad específica, la obra se presenta como una duración por experimentar, como un modo de intercambio social, como una herramienta que permite unir a individuos y grupos humanos.

La obra Entidad Colectiva de Héctor Falcón se presenta por primera vez en Guadalajara. Dicha obra en una primera instancia implica un estado de encuentro a partir de dos espacios galerísticos: CAM Contemporáneo y Sector Reforma a partir de la transmisión de video en tiempo real de ambos espacios, de manera simultánea.

En una segunda instancia el “estado de encuentro” ocurre entre las acciones que suceden en cada espacio. En CAM Contemporáneo hay seis personas realizando una meditación budista y en Sector Reforma hay tres personas con el mismo tipo sanguíneo que Héctor Falcón, compartiendo su sangre con el artista. De esta maneraEntidad colectiva provee las herramientas y mecanismos no sólo para la representación colectiva, sino incluso para la introspección más íntima entre los diez individuos.

La meditación budista pretende representar la unidad a partir de la inmaterialidad del pensamiento y la transfusión sanguínea representa la unidad corpórea mientras dichas acciones se unen gracias al triunfo del trabajo inmaterial implícito en las tecnologías multimediáticas contemporáneas. Lo anterior permite la simultaneidad en tiempo real de las acciones, ocurriendo en los dos espacios galerísticos y nos permite ver una forma de colectividad que a su vez es una revelación de posibilidades de vida actuales.

Icari Gómez Aldana

Héctor Falcón, registro de meditadores en CAM Contemporáneo, 2009
Héctor Falcón, registro de meditadores en CAM Contemporáneo, 2009
Héctor Falcón, registro de la acción performática en Sector Reforma, 2009
Héctor Falcón, registro de la acción performática en Sector Reforma, 2009
Héctor Falcón, registro de la transfusión sanguínea en Sector Reforma, 2009
Héctor Falcón, registro de la transfusión sanguínea en Sector Reforma, 2009
Héctor Falcón, registro de la acción performática en Sector Reforma, 2009
Héctor Falcón, registro de la acción performática en Sector Reforma, 2009
Héctor Falcón, registro de la acción performática en Sector Reforma, 2009
Héctor Falcón, registro de la acción performática en Sector Reforma, 2009
Héctor Falcón, registro de la acción performática en Sector Reforma, 2009
Héctor Falcón, registro de la acción performática en Sector Reforma, 2009